La metteure en scène et dramaturge Lucía Miranda donnera une conférence ouverte au public ce mercredi 31 mai dans le cadre du programme Campus MAPAS au Théâtre Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria.
La mise en scène de professionnels et de non-professionnels est l'une des faiblesses de Lucía Miranda : qui en plus de la mise en scène, écrit et enseigne également. L'artiste de Valladolid avoue qu'elle aime écrire bien qu'elle en souffre beaucoup. Au fur et à mesure qu'elle avance dans cette interview, son travail de dramaturge a beaucoup à voir avec le fait d'être journaliste et anthropologue.
– Dans la conférence qu'il offrira au Campus MAPAS, il propose de nous transporter dans des salles de classe de lycée et de collège, dans une minoterie, un parc, un hôpital, aussi dans de grands théâtres... Tout cela sans quitter le Théâtre Guiniguada de Las Palmas de Grande Canarie. Comment cela sera-t-il possible ? Qu'est-ce qui peut nous faire avancer ?
L'idée de voyager à travers tous ces lieux a à voir avec le type de théâtre que je fais où la communauté est au centre et les histoires naissent de là, d'eux. Dans MAPAS, je parlerai de la façon dont les histoires et les gens sont étroitement liés aux espaces et comment le théâtre que nous faisons de la compagnie a à voir avec cela, en reliant les histoires aux espaces et en convertissant n'importe quel espace, pas seulement un grand théâtre , dans un tache scénique.
Historiquement, quand on a parlé de théâtre communautaire, il a toujours été situé dans des centres civiques ou dans des lieux plus petits, avec moins de possibilités, et je pense que l'un des grands changements de ces dernières années est de pouvoir mettre ce type de théâtre et ce type d'histoires dans les grands théâtres, appelez-le Centre Dramatique National ou Théâtre Lliure.
– Comment appréciez-vous l'accent mis par le MAPAS sur la promotion et la redynamisation du secteur culturel dans les îles à travers la formation des professionnels ?
Je pense que le travail réalisé par le MAPAS pour promouvoir et dynamiser le secteur culturel dans les îles est enviable. Les professionnels des îles ne peuvent pas accéder au même type de propositions que celles générées à Madrid ou à Barcelone, en raison du coût des visites et de la difficulté des échanges entre professionnels.
Je pense que l'accent que le MAPAS met sur le fait d'amener des professionnels et de concrétiser ces rencontres va être très fructueux à l'avenir car cela va sûrement piquer le virus et ouvrir des opportunités pour les professionnels là-bas mais aussi pour les professionnels d'ici qui rencontreront les insulaires et nous découvrirons d'autres façons de faire qui ne sont pas seulement Madrid et Barcelone.
– Que pensez-vous de l'apport des marchés professionnels, comme le MAPAS, à la nécessaire promotion internationale des artistes et des compagnies ?
Il y a une grande différence entre MAPAS et d'autres types de marchés et c'est ce lien avec l'Atlantique Sud et l'arrivée de programmeurs d'Amérique latine ou d'Afrique. C'est quelque chose d'assez enviable qu'on ne retrouve pas sur d'autres marchés. Ces liens de coproduction et d'exposition avec l'Amérique et l'Afrique sont extrêmement nécessaires et c'est un luxe qu'ils se réalisent.
– Vous avez une façon très personnelle d'appréhender et de faire du théâtre, comment définiriez-vous votre processus de création ?
Mon processus créatif part toujours d'un conflit -que j'ai normalement- et que je veux mettre en relation avec les autres. Je pars toujours d'une question qui a à voir avec le fait de ne pas comprendre quelque chose dans la vie et je me demande : comment vont-ils comprendre cela, comment d'autres parties de la société et du monde vont-elles vivre cela ?, pour mettre cette question ou cet ensemble de questions en commun, pas avec d'autres artistes mais avec des collectifs et des groupes qui peuvent aller des filles et des garçons, des adolescents aux personnes âgées, avec une diversité fonctionnelle, etc.
Une fois là-bas, j'invite d'autres créateurs, qu'ils soient éclairagistes, scénographes, costumiers, acteurs, compositeurs, à poser la question avec moi et à monter un spectacle. C'est un processus profondément collaboratif, un processus très prudent, à long terme et très démocratique dans le sens où il commence par de nombreuses questions, en écoutant de nombreuses personnes différentes et en mettant tout en commun.
-Pouvez-vous nous présenter le terme « éducation artistique » auquel vous vous référez à de nombreuses reprises ?
Le terme éducation artistique (« artiste enseignant ») Elle est présente dans les pays anglo-saxons depuis trente ou quarante ans et en Espagne, elle a commencé à se renforcer ces cinq dernières années avec des programmes comme Audaces ou Proyecto Ornitorrinco, ainsi que l'apparition de sections éducatives dans les théâtres. J'ai beaucoup insisté sur ce concept car beaucoup de gens dans le monde de la création ne le connaissent pas. Pour moi, un éducateur en art est un professionnel qui se consacre à des projets créatifs de manière professionnelle, se dit acteur, chorégraphe, metteur en scène, compositeur... Un professionnel des arts de la scène qui consacre une partie de son temps à l'éducation et aux milieux éducatifs. Je ne parle pas des artistes qui, lorsqu'ils ne créent pas, se consacrent à l'enseignement d'autres professionnels, mais plutôt de ceux qui travaillent avec des non-professionnels : avec des filles et des garçons, des personnes âgées, etc.
– Le théâtre a-t-il beaucoup à dire dans la société ou est-ce plutôt l'inverse ?
Augusto Boal, éducateur et metteur en scène brésilien, disait que le citoyen n'est pas celui qui vit dans la société mais celui qui la transforme. Je pense que cette déclaration a beaucoup à voir avec la question que vous posez. Je crois qu'il y a autant de "théâtres" que de créateurs ou de groupes de gens qui font du théâtre.
Le théâtre que je propose a à voir avec l'écoute de la société et le travail avec différents groupes en son sein. Je ne pense pas que ce soit meilleur ou pire, je pense que c'est un outil et une façon de comprendre le théâtre. Même lorsque je travaille à la commission en tant que réalisateur, par exemple cette saison dans "La tête du dragon" Au Théâtre National Dramatique où il n'y a pas de travail avec la communauté mais avec un casting de comédiennes et d'acteurs, je pars des mêmes outils théâtraux, de la même écoute, je crée les mêmes ambiances avec des professionnels comme avec des non professionnels. Donc, il me semble qu'il y a l'indistinction entre le monde du théâtre et le monde de la société.
Augusto Boal raconte dans son livre 'Jeux pour acteurs et non acteurs' une chose que j'aime beaucoup dans ce sujet mais, comme je ne veux pas m'en mêler, je vais laisser ça pour la conférence...
– En 2011, il fonde Le projet transfrontalier un projet pas du tout courant dans le monde du spectacle vivant et de la culture mais en même temps très nécessaire. Selon vous, quelle est l'essence de votre entreprise ?
Je pense que l'essence de frère croisé et la valeur ajoutée la plus concrète de l'entreprise est sa polyvalence. Un jour, nous pouvons travailler avec un groupe de non-professionnels dans un contexte très diversifié avec des caractéristiques auxquelles nous n'avons jamais été confrontés auparavant et le lendemain, nous pouvons jouer au Teatro Español de Madrid ou au Teatro Lliure de Barcelone. Il y a un niveau d'adaptabilité et d'écoute des contextes très difficile à trouver dans une entreprise. Notre essence de travail commence par l'écoute d'un problème qui existe et la convocation d'un groupe de personnes diverses (professionnels et non professionnels) pour y travailler, poser des questions et générer un produit créatif. De la même manière, nous sommes capables de faire 'l'art pour l'art', bien que toujours dans un but social. Nous pouvons créer un produit artistique professionnel tout en travaillant dans des contextes très spécifiques facilitant les solutions, la médiation, la rencontre... Nous sommes configurés par un profil très hybride.
– Vous êtes un professionnel polyvalent, à la fois dramaturge et metteur en scène, vous consacrez une partie de votre temps à la formation. Si vous aviez le choix, pourriez-vous choisir entre l'une des facettes susmentionnées ?
Pour être honnête, ce que j'aime le plus dans le monde du théâtre, c'est la mise en scène. Je pense qu'être dans une salle de répétition est la chose la plus proche d'être dans le parc, d'être une fille et de fantasmer à nouveau avec beaucoup de possibilités où nous croyons que les pierres et les bâtons sont tout ce que nous voulons qu'ils soient. J'adore écrire des histoires mais j'en souffre beaucoup, j'aime plus le processus d'enquête préalable où je travaille avec des gens, interviewer… Je pense que mon travail de dramaturge a beaucoup à voir avec le fait d'être journaliste et anthropologue, c'est me permet de vivre des vies très différentes et m'a permis d'être dans des endroits incroyables d'Addis Abeba en Ethiopie à Miami. La partie de la dramaturgie que j'aime le plus, c'est le processus précédent dans lequel je collectionne toutes ces histoires et rencontre des gens. Je ne passe pas un bon moment seul devant l'ordinateur, je deviens assez fou.
Les formations sont aussi une partie que j'adore mais qui a à voir avec cette partie du dramaturge qui enquête. La formation me permet d'aller dans des lieux que je n'imaginais pas, de rencontrer des personnes aux profils très différents, cette formation qui ne s'adresse pas qu'aux professionnels du spectacle vivant mais qui a à voir avec la génération et l'outillage de personnes très diverses.
Malgré tout, mon préféré est sans aucun doute la mise en scène, tant professionnelle que non professionnelle. C'est là où je pense qu'il y a plus de liberté, plus de jeu et le plus haut niveau d'écoute ici et maintenant.
