Campus MAPAS 2022

La mise en œuvre d'un projet viable dans le domaine des arts de la scène doit avoir une série de compétences et de stratégies clés. La transformation de l'idée en projet se matérialise à partir de l'élaboration d'une proposition réaliste et cohérente, à travers la planification ordonnée d'une série d'actions et de stratégies qui permettent la distribution finale et l'exposition des propositions, à partir de l'analyse du contexte et de la culture publics, gestion d'équipe, réseaux de collaboration, conception de propositions ainsi que des éléments liés à la communication, à la négociation, au marketing et à la collecte de fonds dans le contexte des tendances de programmation. Chaque idée est unique et il existe de multiples possibilités pour la concrétiser.

Pour que des démarches de mobilité et de circulation internationale de projets artistiques soient réellement efficaces, il faut qu’elles s’appuient sur une série d’éléments de base. D’une part, il faut disposer d’un projet, ou d’un multi-projet, qui mette à profit toutes les capacités créatives et techniques du noyau artistique et de l’organisation. Il faut aussi un récit artistique unique et singulier. D’autre part, une capacité d’adaptation des projets et de la structure aux changements et aux nouveaux environnements est nécessaire. Enfin, il faut un plan stratégique qui expose de manière structurée les objectifs et les actions imaginées pour « aller plus loin ». Au cours de cet atelier, nous analyserons la manière d’optimiser ces quatre conditions et nous aborderons les techniques et les ressources disponibles pour concevoir un plan d’internationalisation. Ce plan comprendra, un diagnostic des capacités et des obstacles pour l’internationalisation (suis-je préparé pour internationaliser mon projet ?), la définition et la sélection d’objectifs internationaux et les actions et pratiques les plus courantes pour rendre possible la circulation des projets.

Au cours de ce séminaire seront abordés les questions de la conception de l’idée, son développement, la production et la réalisation d’un projet culturel, en tenant compte de sa première et de son exploitation, en insistant beaucoup sur la distribution et la contractualisation du spectacle ou du concert et les moyens de financement de ces projets, tant dans les espaces scéniques qu’au sein des compagnies. Le défi de la production et de la gestion est de rendre notre projet viable et rentable. Nous travaillerons donc sur les outils nécessaires pour obtenir le point zéro de l’amortissement et sur les outils financiers pour obtenir cette rentabilité et viabilité économique. Le séminaire permettra aux participants d’acquérir ou d’améliorer les connaissances, des techniques et les capacités suivantes :

• Profils du producteur.
• La production technique et artistique.
• Phases de la Production.
• Différentes branches de production et distribution.
• Modèles de gestion. Vendre le spectacle : Distribution.
• Modèle d'exploitation des espaces culturels.

Les forums, les marchés et les rencontres professionnelles des arts de la scène sont le cadre idéal pour connaître les agents du secteur, élargir son carnet d’adresses et faire connaître notre catalogue de spectacles ou notre univers artistique singulier. Ils représentent aussi des moments intenses d’activités et de réunions où il est souvent difficile de savoir comment agir, comment aborder de possibles interlocuteurs pour parler de notre projet. Cet atelier dressera le portrait de l’actuelle physionomie étatique des arts vivants, ses caractéristiques et les opportunités de mise en commun qui existent actuellement. Par ailleurs, nous chercherons les valeurs et les idées fortes de nos projets, les meilleures manières de parler d’eux et les ponts qui peuvent nous amener à établir des relations durables avec des responsables de programmation d’espaces scéniques.

Aujourd’hui plus que jamais il est nécessaire de s’interroger sur le rôle déterminant des publics dans l’avenir des arts. Ils sont le reflet de leur temps. Actuellement, les spectateurs se caractérisent par leur esprit critique, participatif, par leur infidélité et leur déloyauté, connectés et pluri-employés, dévoreurs d’images, prosommateurs (producteurs+consommateurs), omnivores… mais, surtout, relationnels. En plus, la pandémie les a confinés et éloignés temporairement de leur habitat naturel, même si elle a conduit à l’émergence et la prééminence d’un public en ligne. L’hybridation entre le présentiel et le virtuel sera sans aucun doute un terreau fertile dans un avenir immédiat. C’est pourquoi il est nécessaire de repenser nos stratégies de communication et de transformation numérique pour situer les publics dans l’axe transversal de nos projets culturels et artistiques.

L'un des domaines de l'industrie de la musique qui est devenu plus pertinent ces dernières années, non seulement en raison des revenus qu'ils peuvent représenter pour les créateurs, mais aussi en raison de la forte augmentation de la demande de contenu sur les plateformes numériques à l'échelle mondiale telles que Netflix, Amazon. et HBO, est la synchronisation de la musique dans les médias audiovisuels. Compte tenu de la grande concurrence dans la production musicale, enregistrant des sorties quotidiennes de plusieurs dizaines de milliers de titres, il est essentiel de savoir se préparer pour répondre et aborder cette niche de marché avec une plus grande force juridique, administrative, créative et marketing. Ce séminaire vise à expliquer les détails de chaque étape, de la création d'un morceau de musique, à la capitalisation d'une opportunité de synchronisation une fois qu'elle a été réalisée.